"Cette musique est inspirée par l’histoire du continent américain : non seulement avant la colonisation européenne, mais aussi par ce qui s’est passé depuis—cause et effet", déclare Miguel Zenón à propos de son dernier album entièrement composé d’œuvres originales, Música de Las Américas. La musique découle de la passion de Zenón pour l’histoire du continent américain, et l’album qui en résulte rend hommage à ses cultures diverses tout en remettant en question les idées modernes sur ce que représente « l’Amérique » et qui en fait partie.

Avec son quartet de longue date composé du pianiste Luis Perdomo, du bassiste Hans Glawischnig et du batteur Henry Cole, Música de Las Américas représente une expansion de la portée et de l’ambition pour Zenón, qui est surtout connu pour allier modernisme avant-gardiste et musique folklorique et traditionnelle de Porto Rico. Pour réaliser ce projet d’envergure, Zenón a fait appel à l’ensemble portoricain illustre Los Pleneros de La Cresta pour apporter leur son inconfondable de plena à l’album, avec la contribution supplémentaire de musiciens maîtres comme Paoli Mejías à la percussion, Daniel Díaz aux congas et Victor Emmanuelli au barril de bomba.

Les compositions de Zenón sur Música de Las Américas reflètent le dynamisme et la complexité des cultures indigènes de l’Amérique, leurs rencontres avec les colonisateurs européens et les implications historiques qui en résultent. Zenón s’est plongé dans ces sujets pendant la pandémie, en lisant des classiques comme Venas Abiertas de América Latina (Les Veines Ouvertes de l'Amérique Latine : Cinq Siècles de Pillage d’un Continent) d’Eduardo Galeano, qui détaille l’exploitation occidentale des ressources de l’Amérique du Sud et a inspiré la composition de Zenón "Venas Abiertas."

Parmi les autres sources d’inspiration figure Taínos y Caribes de Sebastián Robiou Lamarche, qui fait référence aux deux grandes sociétés ayant habité les Caraïbes avant la colonisation européenne et qui sont le sujet du morceau d’ouverture de l’album. « Ce sont les deux sociétés prédominantes, mais très différentes : les Taïnos étaient une société plus passive, agricole, tandis que les Caribes étaient des guerriers vivant pour la conquête », explique Zenón, qui capture le choc entre ces sociétés dans les rythmes entrelacés du morceau.

Suivant le fil des sociétés indigènes des Caraïbes, « Navegando (Las Estrellas Nos Guían) » rend hommage à la culture maritime qui existait dans toute la région. « Ce qui m’a frappé, c’est de voir comment ils pouvaient parcourir la mer sur de longues distances en utilisant seulement des canoës, guidés par les étoiles », explique Zenón. « Cela ouvre des discussions sur ce qui est ‘archaïque’ par rapport à ce qui est ‘avancé’ en termes d’accomplissements scientifiques entre le ‘Nouveau Monde’ et l’‘Ancien Monde’ ». Zenón a pris comme fondation musicale de la chanson les formations stellaires utilisées pour la navigation par ces sociétés, et le morceau met en avant les percussions et les voix de Los Pleneros de La Cresta, qui chantent et accompagnent le refrain du titre : « Navegando vengo, sigo a las estrellas. »

Probablement le morceau le plus complexe de l’album en termes de dissonance harmonique et de complexité, « Opresión y Revolución » évoque la tension et la libération des révolutions sur le continent américain, notamment la révolution haïtienne, entre autres. Avec les percussions de Paoli Mejías associées au travail percussif du pianiste Perdomo, le morceau reflète également l’influence de la musique vaudou haïtienne, à laquelle Zenón a été fortement exposé lors de sa collaboration avec le batteur Ches Smith et son ensemble « We All Break ».

Bien que pour beaucoup, le terme « empire » évoque le monde occidental contemporain, Zenón a composé « Imperios » en pensant aux différents empires indigènes d’Amérique, y compris les Incas, les Mayas et les Aztèques. « Ce sont des sociétés parmi les plus avancées de leur époque ; en fait, elles étaient dans certains domaines plus avancées que ce qui se passait en Europe, en termes de mathématiques contemporaines, d’astronomie, de société et de politique », explique Zenón. « Il y avait déjà quelque chose de vraiment avancé là, et cela me fait réfléchir à ce qui aurait pu en sortir. » La mélodie provient de la transcription de Zenón d’une musique provenant d’une cérémonie des descendants des Aztèques, qui est le pendant de la structure rythmique de la chanson.

« Bambula » présente le virtuose de la percussion Victor Emmanuelli, que Zenón loue pour avoir repoussé les limites musicales en tant que chef d’orchestre. Le terme « bambula » désigne une danse apportée par les esclaves africains en Amérique. Avec le temps, la bambula est devenue le rythme couramment appelé « habanera », qu’on retrouve dans une grande partie de la musique latino-américaine actuelle. Ici, Zenón capte le sentiment de connexion à travers le temps et l’espace porté par cette cellule rythmique : « C’est un fil qui relie la Nouvelle-Orléans au Brésil, à l’Amérique centrale, puis à l’Afrique, à travers toutes ces époques du passé jusqu’à la pop contemporaine », explique Zenón. « Pour moi, je voulais que ça donne l’impression que vous êtes sur la piste de danse, mais que vous entendiez en même temps cette harmonie et cette mélodie plus modernes. »

En mettant en lumière ces connexions géographiques, Zenón revient également à un thème majeur de l’album : la conception de l’Amérique, non pas comme un pays—c’est-à-dire se référant uniquement aux États-Unis modernes—mais comme un continent. « América, el Continente » souligne ce point tout en rappelant aux auditeurs les implications politiques du fait que les États-Unis s’approprient le terme « Amérique », effaçant ainsi subtilement le reste de l’hémisphère occidental.

« Antillano », du nom des habitants des Antilles, illustre ce pour quoi Zenón est le plus connu : unir passé et présent de manière avant-gardiste et musicalement satisfaisante. Clôturant l’album sur une note optimiste, le morceau imite des aspects de la musique de danse contemporaine tout en servant de tribune pour Daniel Díaz aux congas. Certaines surprises rythmiques en mesures impaires peuvent échapper à l’oreille d’un auditeur occasionnel, mais elles se fondent parfaitement dans le flot musical naturellement véhiculé par le quartet de Zenón.

En affrontant des sujets historiques souvent difficiles dans Música de Las Américas, Zenón a créé un chef-d’œuvre dont les délices musicaux inspireront et élèveront tout en suscitant une conversation sur les dynamiques de pouvoir problématiques à travers le continent américain. L’idée que le jazz moderne ne puisse pas être à la fois entraînant et émotionnellement résonnant pour l’auditeur occasionnel tout en étant formellement et intellectuellement stimulant est manifestement fausse, comme le prouve Zenón ici, comme il l’a fait à maintes reprises tout au long de sa carrière.

À propos de Miguel Zenón :

Nommé à plusieurs reprises aux Grammy® et boursier Guggenheim et MacArthur, Zenón est l’un des rares musiciens à avoir habilement équilibré et fusionné les pôles souvent contradictoires de l’innovation et de la tradition. Largement considéré comme l’un des saxophonistes les plus novateurs et influents de sa génération, Zenón a également développé une voix unique en tant que compositeur et conceptuel, concentrant ses efforts sur la perfection d’un mélange subtil entre le jazz et ses nombreuses influences. Né et élevé à San Juan, Porto Rico, Zenón a enregistré et tourné avec une grande variété de musiciens, dont Charlie Haden, Fred Hersch, David Sánchez, Danilo Pérez, Kenny Werner, Bobby Hutcherson et The SFJAZZ Collective.